MISHA GORDIN FOTOGRAFIANDO SUS MUNDOS REALES E INEXISTENTES

A partir de esta entrega, el Navío del Arte expondrá alternadamente series fotográficas de los mejores artistas de este género en el mundo. La integración de la fotografía al arte fue un proceso muy discutido que comenzó con los fotógrafos retratistas. El retrato fotográfico tuvo gran acogida como reemplazo del retrato pintado, ya que era mucho más barato. Como el retrato fotográfico remplazaba al retrato pintado, gran cantidad de pintores decidieron convertirse en fotógrafos retratistas para sobrevivir. Este fue el caso de Félix Tournachon, Gustave Le Gray y el segundo de los hermanos Bisson. Éste fue el primer ingreso de la fotografía al medio artístico. Además estos pintores fueron algunos de los que lucharon por que la fotografía sea considerada un arte.

La fotografía surgió casi por casualidad. En el S.XIX muchos de los pintores que investigaban en su campo artístico empleaban la cámara oscura. Partiendo de este instrumento, creado muchos siglos antes con fines experimentales, podían capturar imágenes fijas y será con el desarrollo de la ciencia y los experimentos de otros cómo la fotografía tal y como la conocemos hoy comenzó a dar sus primeros pasos.

Varias son las figuras que contribuyeron a que todo esto fuese posible: Niepce fue el primero en lograr una fotografía permanente, aunque todavía rudimentaria. Daguerre fue el encargado de probar el sistema de haluros de plata, sobre los que la luz incide y logra oscurecer determinadas partes y aclarar otras. Henry Talbot fue otra de las figuras importantes del campo de la fotografía. Consiguió por primera vez un negativo que después pasaba a positivo en otra hoja, con lo que él denominó "calotipo" pero este proceso era largo y costoso, así que además de intentar perfeccionar el proceso fotográfico en sí, el principal problema era la obtención de copias positivas en papel: lo que hoy llamamos fotografías. En este caso concreto influyeron las ideas de Scott Archer, que logró obtener negativos sobre una placa de cristal húmedo, pero el cristal es un material pesado y el proceso seguía siendo muy costoso. Aparece Maddox en el mundo de la fotografía y cambia el cristal de las placas por gelatina y bromuro de plata y consigue que no sea necesario el uso de placas húmedas.

A partir de entonces se fueron empleando cámaras de tamaño más pequeño y más manejables. George Eastman tuvo mucho que ver en la comercialización masiva de las cámaras (comenzada a finales del S.XIX), al crear una película transparente que proporcionaba 10 imágenes en una pequeña cámara bastante sencilla a la que bautizó Kodak por el ruido que hacía al disparar. Otro fotógrafo de gran talento, Nadar, investigó el flash para realizar fotografías en lugares muy oscuros y poco a poco el mecanismo se fue perfeccionando hasta acoplarlo a las mismas cámaras.

Para llegar a algo todavía más cercano a lo que hoy entendemos como fotografía tenemos que ubicarnos en los comienzos del S.XX. Se hacen las primeras fotos en color y a finales de los años 30 William Fox crea el proceso de negativo a positivo que se sigue empleando hoy en día. 10 años más tarde H. Land inventa la cámara Polaroid, que permitía obtener las fotografías casi instantáneamente al momento de sacarlas. Han tenido que pasar varias décadas para llegar a la fotografía digital, que ha cambiado por completo la concepción de la fotografía clásica y seguro que aún quedan muchos hitos científicos que acabarán por transformar totalmente este proceso.

La fotografía, además de ser una técnica, es un arte. Desde la época de la fotografía más rudimentaria, en los albores, la fotografía consiguió ser un medio de expresión y artístico sin parangón hasta entonces. La reproducción de la realidad tal cual es supuso un punto y aparte en el resto de las manifestaciones artísticas. Todo ello coincidió, además, con el apogeo del Realismo en pintura, literatura, escultura, música, etc.

La fotografía ha dejado de ser únicamente plasmación de la realidad para convertirse en una expresión artística maravillosa y con una influencia asombrosa.

ARTISTA QUE EXPONE

Misha Gordin

Nació en 1946. Creció entre la población de habla rusa de Letonia y la cultura rusa se convirtió en su raíz cultural. Se graduó en la escuela técnica como ingeniero de aviación, pero nunca ejerció, sino que se unió a Riga Motion Studios como diseñador de equipos de efectos especiales. En ese momento el realismo social fue la cultura oficial del país y no le importa demasiado. La información occidental sobre el arte moderno era apenas disponible y sus conocimientos eran muy limitados. Empezó a fotografiar cuando tenía diecinueve años, impulsado por el deseo de crear su propio estilo y visión personal. Estuvo involucrado en el retrato y que algunas fotos documentales, pero pronto se dio cuenta de los resultados no le satisfacían.

Puso su cámara a un lado y se concentró en la lectura de Dostoievski y Bulgákov, y cinematografía de Tarkovsky y Parajanov. Estaba buscando constantemente la forma de expresar sus sentimientos y pensamientos personales con fotografía. En 1972 crea su primera imagen, y más importante y reconoció al instante las posibilidades potenciales del enfoque conceptual y el conocimiento adquirido de esta imagen convertido en una espina dorsal de la obra que produjere en los posteriores veinticinco años. En 1974, después de años de disgusto con las autoridades decidió salir del país y llegó a Estados Unidos.

Convencional versus conceptual

Con su cámara hace una introspección el exterior del mundo existente, y a su vez viaja hacia adentro, hacia su alma. Son fotografías de la realidad existente, creadas por su propio mundo, tan real, pero inexistente. Los resultados de estos dos enfoques opuestos son notablemente diferentes y, en mi opinión, la fotografía conceptual es una forma superior de expresión artística que sitúa la fotografía en el plano de la pintura, la poesía, la música y la escultura. Emplea el talento especial de la visión intuitiva. Al traducir los conceptos personales en lenguaje fotográfico, que refleja las posibles respuestas a las preguntas importantes de ser: nacimiento y muerte, y la vida. Creación de una idea y transformarla en realidad es un proceso esencial de la fotografía conceptual.

Este enfoque convencional, con algunas excepciones, hoy domina por completo la fotografía artística. Pero la introducción de la fotografía digital está cambiando este equilibrio. La facilidad de producir realidades alteradas trae una nueva ola de artistas con talento que expresan su mundo especial de las visiones, con todos sus significados, símbolos y misterios.

Para Gordín es importante la creación de imágenes conceptuales, trata de hacerlos lo más realista posible. Sus habilidades técnicas han mejorado, lo que le permite ampliar los horizontes de sus ideas. Pero esto no es la parte más importante del proceso. El concepto es ejecutado a la perfección, sigue representando una fotografía ricas en valores. Por lo tanto, el ingrediente más importante de la poderosa imagen es un concepto. La combinación de un talento para crear un concepto y la habilidad para entregar son los dos pilares principales de la creación de una fotografía conceptual convincente.

No es una idea nueva manipular imágenes fotográficas. Como cuestión de hecho de todas las imágenes son manipuladas a un cierto grado. El verdadero poder de la fotografía surge cuando la realidad alterada se presenta como existente y se espera que sea percibida como tal. Una imagen evidentemente manipulada es un truco que muestra una falta de comprensión del poder único de la fotografía. La creencia grabada en nuestro subconsciente que fue capturado por la cámara tiene que existir. Son los mejores ejemplos de imágenes manipuladas con éxito.

Su fascinación por la fotografía tiene que ver con el hecho de que es un arquitecto. Y la incorporación de la arquitectura en sus fotografías, junto con el surrealismo de sus temas, definitivamente apelar a su obsesión por mucho tiempo de la obra del artista español Salvador Dalí y su ensueño.

El proceso inicial de su trabajo fotográfico es similar a escribir poesía. Ya que es una declaración visual de su vida y sus sueños. A partir de ahí se vuelve más técnico, pero prefiere no describir los aspectos técnicos del proceso, porque cree que disminuye el poder de una imagen.

Muy similar a Dalí, Gordin también se basa en sus sueños de crear arte. Dibuja y vuelve a dibujar su composición de acuerdo con la memoria de su subconsciente. Simplemente utiliza la cámara para traducir con las partes y piezas lo que necesita en el instante onírico de su memoria, la percepción, en lugar de pintar sobre un lienzo, fija hacia el interior de la cámara, hacia su alma, en lugar de hacia el exterior con el mundo, creando un mundo real no existe por su cuenta.

Este es uno de los conceptos más importantes de sus obras, reconocidas en todo el mundo, la memoria sensorial, que da una idea de arquitectura, los transforma en surrealismo, y comparte en la fotografía el aspecto fenomenológico de espacio, tiempo, y la percepción incrustada en la memoria. Nunca usa photoshop para montar sus fotografías, siempre lo hace a mano, como los viejos maestros solían hacer. Demostrando que en un mundo dominado por los avances tecnológicos, una fotografía hecha a mano todavía se puede hacer y el resultado final es lo que realmente importa.